Beatriz Dubois “Talk”

OPENING | April 25, 6:30 - 9.00 pm.

La joven artista Beatriz Dubois (Madrid, 1991) inaugura su primera exposición individual en Londres, “Talk”, donde muestrra una selección de sus últimos trabajos que desafían la paciencia del espectador a la hora de observar la pieza final frente al consumo inmediato y masivo de imágenes.

La exposición, que tendrá lugar del 25 de abril al 2 de junio de 2019 en WE COLLECT Londres, es la tercera individual de la artista y muestra una veintena de collages de gran y pequeño formato que invitan a parar, reconocer y reflexionar ante la obra de arte frente al consumo inmediato y masivo de imágenes de la actualidad. Realizadas con diferentes técnicas de collage, las obras de Beatriz Dubois están compuestas por fragmentos de fotografías seleccionadas que muestran la relación entre el individuo y la naturaleza, una asociación muy recurrente en su obra. Esta combinación resulta muy familiar cada una por separado pero al realizar la trama trenzada característica de sus obras —una evolución formal de su anterior trabajo— obliga al espectador a una mayor contemplación. “Hasta ahora intercalaba imágenes, verticalmente y por capas, para proponer al espectador una búsqueda de identidades. En este nuevo trabajo me he centrado en dar un paso más en cuanto a la implicación del público y el uso de la composición, una manipulación que exige mayor movimiento corporal y una relación obra-espectador inevitable”, comenta la artista.

Perteneciente a una nueva generación de artistas con referencias principalmente visuales, Beatriz Dubois incorpora en su nuevo trabajo su interés por la palabra y los textos, “una necesidad de añadir escritos a mi proceso didáctico, reafirmando mi admiración por las palabras. Su ambigüedad me ha resultado enormemente atractiva y poderosa”. El resultado es una serie de obras realizadas con textos intervenidos, collages sin pegamento, papeles cosidos en los que la literatura se vuelve visual y la reflexión se convierte en la obra en sí misma. Además, y a diferencia de otras de sus piezas, suponen una comprensión casi inmediata. Palabra e imagen se complementan en un ejercicio de observación que apuesta por una intimidad pausada con el espectador y habla de cómo estos consumen las palabras en relación con las imágenes.

Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad CEU San Pablo y titulada en fotografía profesional por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen EFTI, Beatriz Dubois (Madrid, 1991) utiliza la fotografía como base de su trabajo y el papel como soporte de collages analógicos y composiciones. En sus piezas reflexiona sobre temas como la relación del individuo con la naturaleza, la búsqueda de una identidad propia, el vínculo del ser humano con el exterior y consigo mismo, la contemplación pausada del arte frente al consumo masivo de imágenes o el uso de dualidades y analogías como base conceptual de su trabajo. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas como la Colección Himalaya, Colección Campocerrado, Colección Alicia Aza o Colección Entrecanales, entre otras, y ha sido expuesta en más de una decena de exposiciones individuales y colectivas, como “Instantes decisivos de la fotografía. Colección Julian Castilla” (2018), Museo de la Pasión, Valladolid; “Dentro” (2017), WE COLLECT, Madrid; “Beatriz Dubois” (2017), FERIARTE, Madrid; “Lux Infucatus”, Galería Kreisler, Madrid; “Hablar” (2018), WE COLLECT, Madrid; o “Talk”, WE COLLECT, Londres.

Beatriz Dubois “Talk”

OPENING | April 25, 6:30 - 9.00 pm.

La joven artista Beatriz Dubois (Madrid, 1991) inaugura su primera exposición individual en Londres, “Talk”, donde muestrra una selección de sus últimos trabajos que desafían la paciencia del espectador a la hora de observar la pieza final frente al consumo inmediato y masivo de imágenes.

La exposición, que tendrá lugar del 25 de abril al 2 de junio de 2019 en WE COLLECT Londres, es la tercera individual de la artista y muestra una veintena de collages de gran y pequeño formato que invitan a parar, reconocer y reflexionar ante la obra de arte frente al consumo inmediato y masivo de imágenes de la actualidad. Realizadas con diferentes técnicas de collage, las obras de Beatriz Dubois están compuestas por fragmentos de fotografías seleccionadas que muestran la relación entre el individuo y la naturaleza, una asociación muy recurrente en su obra. Esta combinación resulta muy familiar cada una por separado pero al realizar la trama trenzada característica de sus obras —una evolución formal de su anterior trabajo— obliga al espectador a una mayor contemplación. “Hasta ahora intercalaba imágenes, verticalmente y por capas, para proponer al espectador una búsqueda de identidades. En este nuevo trabajo me he centrado en dar un paso más en cuanto a la implicación del público y el uso de la composición, una manipulación que exige mayor movimiento corporal y una relación obra-espectador inevitable”, comenta la artista.

Perteneciente a una nueva generación de artistas con referencias principalmente visuales, Beatriz Dubois incorpora en su nuevo trabajo su interés por la palabra y los textos, “una necesidad de añadir escritos a mi proceso didáctico, reafirmando mi admiración por las palabras. Su ambigüedad me ha resultado enormemente atractiva y poderosa”. El resultado es una serie de obras realizadas con textos intervenidos, collages sin pegamento, papeles cosidos en los que la literatura se vuelve visual y la reflexión se convierte en la obra en sí misma. Además, y a diferencia de otras de sus piezas, suponen una comprensión casi inmediata. Palabra e imagen se complementan en un ejercicio de observación que apuesta por una intimidad pausada con el espectador y habla de cómo estos consumen las palabras en relación con las imágenes.

Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad CEU San Pablo y titulada en fotografía profesional por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen EFTI, Beatriz Dubois (Madrid, 1991) utiliza la fotografía como base de su trabajo y el papel como soporte de collages analógicos y composiciones. En sus piezas reflexiona sobre temas como la relación del individuo con la naturaleza, la búsqueda de una identidad propia, el vínculo del ser humano con el exterior y consigo mismo, la contemplación pausada del arte frente al consumo masivo de imágenes o el uso de dualidades y analogías como base conceptual de su trabajo. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas como la Colección Himalaya, Colección Campocerrado, Colección Alicia Aza o Colección Entrecanales, entre otras, y ha sido expuesta en más de una decena de exposiciones individuales y colectivas, como “Instantes decisivos de la fotografía. Colección Julian Castilla” (2018), Museo de la Pasión, Valladolid; “Dentro” (2017), WE COLLECT, Madrid; “Beatriz Dubois” (2017), FERIARTE, Madrid; “Lux Infucatus”, Galería Kreisler, Madrid; “Hablar” (2018), WE COLLECT, Madrid; o “Talk”, WE COLLECT, Londres.

Beatriz Dubois “Talk”

OPENING | April 25, 6:30 - 9.00 pm.

La joven artista Beatriz Dubois (Madrid, 1991) inaugura su primera exposición individual en Londres, “Talk”, donde muestrra una selección de sus últimos trabajos que desafían la paciencia del espectador a la hora de observar la pieza final frente al consumo inmediato y masivo de imágenes.

La exposición, que tendrá lugar del 25 de abril al 2 de junio de 2019 en WE COLLECT Londres, es la tercera individual de la artista y muestra una veintena de collages de gran y pequeño formato que invitan a parar, reconocer y reflexionar ante la obra de arte frente al consumo inmediato y masivo de imágenes de la actualidad. Realizadas con diferentes técnicas de collage, las obras de Beatriz Dubois están compuestas por fragmentos de fotografías seleccionadas que muestran la relación entre el individuo y la naturaleza, una asociación muy recurrente en su obra. Esta combinación resulta muy familiar cada una por separado pero al realizar la trama trenzada característica de sus obras —una evolución formal de su anterior trabajo— obliga al espectador a una mayor contemplación. “Hasta ahora intercalaba imágenes, verticalmente y por capas, para proponer al espectador una búsqueda de identidades. En este nuevo trabajo me he centrado en dar un paso más en cuanto a la implicación del público y el uso de la composición, una manipulación que exige mayor movimiento corporal y una relación obra-espectador inevitable”, comenta la artista.

Perteneciente a una nueva generación de artistas con referencias principalmente visuales, Beatriz Dubois incorpora en su nuevo trabajo su interés por la palabra y los textos, “una necesidad de añadir escritos a mi proceso didáctico, reafirmando mi admiración por las palabras. Su ambigüedad me ha resultado enormemente atractiva y poderosa”. El resultado es una serie de obras realizadas con textos intervenidos, collages sin pegamento, papeles cosidos en los que la literatura se vuelve visual y la reflexión se convierte en la obra en sí misma. Además, y a diferencia de otras de sus piezas, suponen una comprensión casi inmediata. Palabra e imagen se complementan en un ejercicio de observación que apuesta por una intimidad pausada con el espectador y habla de cómo estos consumen las palabras en relación con las imágenes.

Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad CEU San Pablo y titulada en fotografía profesional por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen EFTI, Beatriz Dubois (Madrid, 1991) utiliza la fotografía como base de su trabajo y el papel como soporte de collages analógicos y composiciones. En sus piezas reflexiona sobre temas como la relación del individuo con la naturaleza, la búsqueda de una identidad propia, el vínculo del ser humano con el exterior y consigo mismo, la contemplación pausada del arte frente al consumo masivo de imágenes o el uso de dualidades y analogías como base conceptual de su trabajo. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas como la Colección Himalaya, Colección Campocerrado, Colección Alicia Aza o Colección Entrecanales, entre otras, y ha sido expuesta en más de una decena de exposiciones individuales y colectivas, como “Instantes decisivos de la fotografía. Colección Julian Castilla” (2018), Museo de la Pasión, Valladolid; “Dentro” (2017), WE COLLECT, Madrid; “Beatriz Dubois” (2017), FERIARTE, Madrid; “Lux Infucatus”, Galería Kreisler, Madrid; “Hablar” (2018), WE COLLECT, Madrid; o “Talk”, WE COLLECT, Londres.

Beatriz Dubois “Talk”

OPENING | April 25, 6:30 - 9.00 pm.

La joven artista Beatriz Dubois (Madrid, 1991) inaugura su primera exposición individual en Londres, “Talk”, donde muestrra una selección de sus últimos trabajos que desafían la paciencia del espectador a la hora de observar la pieza final frente al consumo inmediato y masivo de imágenes.

La exposición, que tendrá lugar del 25 de abril al 2 de junio de 2019 en WE COLLECT Londres, es la tercera individual de la artista y muestra una veintena de collages de gran y pequeño formato que invitan a parar, reconocer y reflexionar ante la obra de arte frente al consumo inmediato y masivo de imágenes de la actualidad. Realizadas con diferentes técnicas de collage, las obras de Beatriz Dubois están compuestas por fragmentos de fotografías seleccionadas que muestran la relación entre el individuo y la naturaleza, una asociación muy recurrente en su obra. Esta combinación resulta muy familiar cada una por separado pero al realizar la trama trenzada característica de sus obras —una evolución formal de su anterior trabajo— obliga al espectador a una mayor contemplación. “Hasta ahora intercalaba imágenes, verticalmente y por capas, para proponer al espectador una búsqueda de identidades. En este nuevo trabajo me he centrado en dar un paso más en cuanto a la implicación del público y el uso de la composición, una manipulación que exige mayor movimiento corporal y una relación obra-espectador inevitable”, comenta la artista.

Perteneciente a una nueva generación de artistas con referencias principalmente visuales, Beatriz Dubois incorpora en su nuevo trabajo su interés por la palabra y los textos, “una necesidad de añadir escritos a mi proceso didáctico, reafirmando mi admiración por las palabras. Su ambigüedad me ha resultado enormemente atractiva y poderosa”. El resultado es una serie de obras realizadas con textos intervenidos, collages sin pegamento, papeles cosidos en los que la literatura se vuelve visual y la reflexión se convierte en la obra en sí misma. Además, y a diferencia de otras de sus piezas, suponen una comprensión casi inmediata. Palabra e imagen se complementan en un ejercicio de observación que apuesta por una intimidad pausada con el espectador y habla de cómo estos consumen las palabras en relación con las imágenes.

Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad CEU San Pablo y titulada en fotografía profesional por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen EFTI, Beatriz Dubois (Madrid, 1991) utiliza la fotografía como base de su trabajo y el papel como soporte de collages analógicos y composiciones. En sus piezas reflexiona sobre temas como la relación del individuo con la naturaleza, la búsqueda de una identidad propia, el vínculo del ser humano con el exterior y consigo mismo, la contemplación pausada del arte frente al consumo masivo de imágenes o el uso de dualidades y analogías como base conceptual de su trabajo. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas como la Colección Himalaya, Colección Campocerrado, Colección Alicia Aza o Colección Entrecanales, entre otras, y ha sido expuesta en más de una decena de exposiciones individuales y colectivas, como “Instantes decisivos de la fotografía. Colección Julian Castilla” (2018), Museo de la Pasión, Valladolid; “Dentro” (2017), WE COLLECT, Madrid; “Beatriz Dubois” (2017), FERIARTE, Madrid; “Lux Infucatus”, Galería Kreisler, Madrid; “Hablar” (2018), WE COLLECT, Madrid; o “Talk”, WE COLLECT, Londres.

Beatriz Dubois “Talk”

OPENING | April 25, 6:30 - 9.00 pm.

La joven artista Beatriz Dubois (Madrid, 1991) inaugura su primera exposición individual en Londres, “Talk”, donde muestrra una selección de sus últimos trabajos que desafían la paciencia del espectador a la hora de observar la pieza final frente al consumo inmediato y masivo de imágenes.

La exposición, que tendrá lugar del 25 de abril al 2 de junio de 2019 en WE COLLECT Londres, es la tercera individual de la artista y muestra una veintena de collages de gran y pequeño formato que invitan a parar, reconocer y reflexionar ante la obra de arte frente al consumo inmediato y masivo de imágenes de la actualidad. Realizadas con diferentes técnicas de collage, las obras de Beatriz Dubois están compuestas por fragmentos de fotografías seleccionadas que muestran la relación entre el individuo y la naturaleza, una asociación muy recurrente en su obra. Esta combinación resulta muy familiar cada una por separado pero al realizar la trama trenzada característica de sus obras —una evolución formal de su anterior trabajo— obliga al espectador a una mayor contemplación. “Hasta ahora intercalaba imágenes, verticalmente y por capas, para proponer al espectador una búsqueda de identidades. En este nuevo trabajo me he centrado en dar un paso más en cuanto a la implicación del público y el uso de la composición, una manipulación que exige mayor movimiento corporal y una relación obra-espectador inevitable”, comenta la artista.

Perteneciente a una nueva generación de artistas con referencias principalmente visuales, Beatriz Dubois incorpora en su nuevo trabajo su interés por la palabra y los textos, “una necesidad de añadir escritos a mi proceso didáctico, reafirmando mi admiración por las palabras. Su ambigüedad me ha resultado enormemente atractiva y poderosa”. El resultado es una serie de obras realizadas con textos intervenidos, collages sin pegamento, papeles cosidos en los que la literatura se vuelve visual y la reflexión se convierte en la obra en sí misma. Además, y a diferencia de otras de sus piezas, suponen una comprensión casi inmediata. Palabra e imagen se complementan en un ejercicio de observación que apuesta por una intimidad pausada con el espectador y habla de cómo estos consumen las palabras en relación con las imágenes.

Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad CEU San Pablo y titulada en fotografía profesional por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen EFTI, Beatriz Dubois (Madrid, 1991) utiliza la fotografía como base de su trabajo y el papel como soporte de collages analógicos y composiciones. En sus piezas reflexiona sobre temas como la relación del individuo con la naturaleza, la búsqueda de una identidad propia, el vínculo del ser humano con el exterior y consigo mismo, la contemplación pausada del arte frente al consumo masivo de imágenes o el uso de dualidades y analogías como base conceptual de su trabajo. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas como la Colección Himalaya, Colección Campocerrado, Colección Alicia Aza o Colección Entrecanales, entre otras, y ha sido expuesta en más de una decena de exposiciones individuales y colectivas, como “Instantes decisivos de la fotografía. Colección Julian Castilla” (2018), Museo de la Pasión, Valladolid; “Dentro” (2017), WE COLLECT, Madrid; “Beatriz Dubois” (2017), FERIARTE, Madrid; “Lux Infucatus”, Galería Kreisler, Madrid; “Hablar” (2018), WE COLLECT, Madrid; o “Talk”, WE COLLECT, Londres.

Alfonso Albacete “Zénzanne”

During a visit years ago to the samurai castle of Himenji, in Japan, the shape of the embrasures -the holes in the wall to watch or shoot the enemy- that consisted of a line of alternating figures, triangles, circles and squares as in a geometric series, attracted my attention so powerfully. This situation immediately reminded me of Cézanne's proposal that nature could be seen as a set of cones, cylinders and spheres and let me think that its projection on a plane in the form of triangles, squares and circles was ideal to represent any existing model.

In this case the shape of the embrasures, would not be used to build but to establish the limits of a landscape by nature unabated, which the most basic way to limit it is to look through holes formed with hands creating figures that curiously coincide with these simple shapes.

The nature that configures this landscape is in continuous change according to time or climatic seasons, etc. Cézanne also believed it and said that a branch or a tree had a different color depending on the time of year and the time of day.

The so-called Zen garden is also a set of geometries organized by these Buddhist samurai with a totally contrary intention, which is stopping time since its components, the moss and rocks gravel by not offering apparent changes can be thought that their contemplation is liberating us from the anguish of the passage of time.

The plot of this collection of graphic work deals with that conversation between those two cultural positions: on one side the limits on the construction and on the other the construction in a continuously change.

The result is a series of combinations of shapes, colorations and techniques that could be infinite as each copy is unique as it is a moment of light in a landscape and a name meets elements as equidistant as East and West, or as the Samurai Zen in the pursuit of tradition, order and eternity and the French impressionist painter who revolutionized the pictorial orders without turning back in the XX Century.

David Rodríguez Caballero

David Rodríguez Caballero, one of the main representatives of Spanish contemporary sculpture, opens his first solo show in London. It will be open from 15 February to 12 April at WE COLLECT in the British capital.

Composed of fifteen works in aluminium, brass and copper, in large and small formats, as well as a selection of original drawings on paper never before exhibited, the first exhibition by David Rodríguez Caballero (Pamplona, 1970) in London, Sculptures and drawings, will present the British public with a journey through his most recent work, in which the artist delves deeper into the concept of the fold, which jumps from paper to sculpture and from drawing to metal. The exhibition also coincides in parallel with his fourth solo exhibition at the Marlborough New York gallery.

As part of the tradition of geometric abstraction, the work of David Rodríguez Caballero has in recent years incorporated some figurative elements through African iconography, the mask or the urban landscape, taking these references to abstraction, but starting from an inspiration in figurative elements. Light is a key element in his work: "I realised how important light was without knowing it, when I started with origami folding paper and painting with tones –explains the artist–. Depending on how many folds there are, chances will be more or less. For me, light is matter, not a spotlight that illuminates, it mixes with the material through the process of erosion and inclination of the planes. Similarly, shadow is part of light, the non-light. Through the curves and the folds, a tone is generated in my works, where the shaded parts can reach a black, an empty negative through the tone".

According to Manuel Fontán del Junco, Director of Museums and Exhibitions of the Juan March Foundation and curator of the great retrospective exhibition David Rodríguez Caballero. El pliegue según el pliegue (The fold according to the fold) (2018) at the Esteban Vicente Museum in Segovia, "The folding of paper has benefited and still enjoys a certain artisan, artistic and pedagogical tradition, whose most obvious references are perhaps the works of Johannes Itten or Josef Albers with the students of Bauhaus, papyroflexia and the Japanese tradition of Origami. The concept of folding has always been present in the history of art, especially since the analysis of the baroque by authors such as Wölfflin or d'Ors or Deleuze. And it is not difficult to relate two moments apparently as disparate as the Baroque era and contemporary culture, because both have in common precisely the continuous fold, tendentially infinite, between the real and the imaginary: if 'the fold is the central action of Baroque culture' (Gilles Deleuze), a kind of omnipresent digital and media fold is the central action of contemporary culture, which is produced in an eminently Baroque way in forms, gestures and contents".

The work of David Rodríguez Caballero (Pamplona, 1970) has been exhibited in galleries, museums and public institutions around the world, including the Museum of Modern Art in Moscow (Russia), the Würth Museum in La Rioja, the Museum of Navarre, the Oteiza Foundation Museum and other institutions in Europe and the United States. In 2012, Marlborough Gallery New York organised its first solo exhibition in Manhattan, Recent Works, at its Chelsea headquarters, which was a critical and public success. His latest solo exhibitions include Alchemy in Motion (2019), in Marlborough, New York; El pliegue según el folegue (2018), at the Esteban Vicente Museum, Segovia; Poetic Abstractions (2017), Marlborough Gallery, Madrid; and Danser La Sculpture (2016), at Espace Meyer Zafra, Paris.

He has been awarded, among others, the First International Prize of Engraving of Bodegas Dinastía Vivanco (La Rioja, 2008), First Prize of the IX Exhibition of Collection of art Unión Fenosa of the Museum of Contemporary Art Unión Fenosa (A Coruña, 2006), First Prize of Plastic Arts of the Government of Valencia (Valencia, 2004), First Prize of Painting of Volksbank Paderborn (Paderborn, 1996) and First Prize of Pamplona Young Artists of the Government of Pamplona (Pamplona, 1995).

He has participated in several art fairs, such as Art Basel Miami Beach, KIAF Seoul, MACO Mexico, TEFAF Maastricht, Art Rio de Janeiro, ARCO Madrid or Armory Show New York, and his work is part of numerous international collections, such as Coca-Cola Foundation (Madrid), Würth Museum (La Rioja), Wine Culture Museum Vivanco Dynasty (La Rioja), Museum of Contemporary Art Union Fenosa, MACUF (A Coruña), Patio Herreriano Museum (Valladolid), Visual Smell Collection (Barcelona), Repsol Collection (Madrid), National Library (Madrid), Pamplona City Council (Pamplona), Palacio de los Papas (Viterbo), Volksbang Foundation (Paderborn), Museum of Navarra (Pamplona), National Statistics Institute (Madrid) and the ISE Cultural Foundation (New York/Tokyo).

“Matter” Group Show

Holly Hendry, Ernesto Cánovas, Gracjana Rejmer, Robert Cervera, Patricia Pisanelli, Alan Sastre, Nora Aurrekoetxea, Antoine Langenieux-Villard, Silvia Lerín, Pablo Castañeda, Saelia Aparicio, Kristian Kragelund, Pablo A. Padilla Jargstorf.

WeCollect, SpainNow and SCAN are pleased to announce the opening of Matter , a group show with works by 13 international artists living and working in London. The exhibition opens on Tuesday 15th of January at the New County Gallery, County Hall, London.

Matter  is the word for physical substance; it occupies space and possesses mass. At the same time matter is a subject for consideration, what happened, an incident, an episode; it is only a matter of time . But then

again matter is also active, a state of significance, possibly fleeting; some things matter; it matters to me . All three matter  meanings are linked by a thread of weight or a measure of significance.

If material matters, if it is worthy of consideration, it may be as register of the development of an idea, or line of work. Reasoning  is the act of thinking about something in a logical manner; material reasoning might be a manner or practice of thinking through material investigation, repetition, play or studio procedures.

The artists participating in Matter  pursue varied practices but share an interest in investigation of material and work matter with and against meaning. Material and apparent meaning sometimes align, but not always; matters are not what they seem. Like Peter Pan’s shadow, meaning can slip off, come unstuck.

Peter’s shadow comes off when he flies out a closing window. What kind of synthesis occurs when meaning breaks loose?

Matter holds meaning, and lets it go. The thought moves on. The material remains, on the floor, the table, the wall. Maybe a new process begins.

New Materialisms  places matter at the centre of art practice and emphasises production over discourse and preferences the value of physicality and materiality over conceptual models based on language or syntax.

Matter is what we see, and what we use to make. The works in Matter  explore the possibilities of making and of material and play thoughtfully with what matters.

Annelie Vandendael “Sois Belle”

La joven fotógrafa belga Annelie Vandendael (1987) inaugura su primera exposición individual en España, “Sois Belle”, una selección de sus últimos trabajos donde representa la belleza femenina redefiniendo el concepto de lo bello y mostrando el lado genuino de las personas, incluyendo sus imperfecciones.

Su currículum es impactante. Tiene solo 31 años y ha participado ya en medio centenar de exposiciones individuales y colectivas; ha sido seleccionada para una veintena de premios internacionales (muchos de ellos finalista o ganadora); y ha publicado en las mejores revistas culturales y de moda. Alegre, vibrante, irónica y sensual, la fotógrafa Annelie Vandendael (Bélgica, 1987) dispara imágenes lujuriosas y surrealistas en total desacuerdo con las convenciones de la moda y de la dominante fábrica de estereotipos. Imágenes que desafían el dictado de la perfección con una representación de la belleza femenina real que muestra el lado genuino de las personas, incluyendo sus imperfecciones y peculiaridades.

"Hace unos años, comencé a reconsiderar cómo podría representarse la belleza femenina redefiniendo los conceptos de lo que se considera bello —explica Annelie Vandendael—. En ese momento, en muchas revistas las mujeres tenían que ser perfectas, hermosas y delgadas. Odio las imágenes que están demasiado manipuladas, mi objetivo es mostrar la belleza genuina de las personas y su singularidad". De forma irónica, la artista belga (cuyo primer cliente resultó ser un tal Paul Smith) llamó a esta serie "Sois belle", invitando a la mujer a liberarse del status quo dominante "y, sobre todo, a que no se callen. La forma humana es un elemento natural, no un objeto". De ahí la presencia en sus imágenes de una fauna heterogénea, a veces en estrecha armonía con la naturaleza y, otras veces, en relación con nuestros compañeros bípedos desnudos. Para capturar la belleza auténtica, Annelie Vandendael favorece la pureza de la imagen disparando siempre en mediano formato analógico y huyendo del retoque fotográfico. “Siempre uso una cámara Hasselblad ya que las imágenes que produce parecen más realistas. Hoy en día ya no es obvio ver imágenes reales porque todas están manipuladas y retocadas”.

Annelie Vandendael nació en Bélgica y creció en el sur de Francia. Tras acabar la universidad regresó a su país para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes (KASK) de Gante, donde obtuvo un máster en Fotografía. Después de terminar sus estudios, fue invitada a La Fabrica, el prestigioso Centro de Comunicación e Investigación de Benetton en Treviso, Italia. En sus escenas, las protagonistas juegan con el espectador discretamente escondidas y capturadas en el rollo de película. La autenticidad del cuerpo humano habla por sí misma, las caras son un impedimento innecesario y las personalidades se revelan a través de poses, paisajes o colores. “Represento al ser humano más como una pieza de la naturaleza que como un objeto. Es una reacción contra ejemplos de la fotografía de moda en los que la personalidad del individuo es irrelevante. Mi objetivo es dejar que la autenticidad del cuerpo hable por sí misma. Un cuerpo manipulado nos da una percepción errónea de la realidad”.

Côme Clérino “Emulsify(ing)”

Tiene tan solo 28 años y ya está en el foco de importantes coleccionistas, galeristas y profesionales. El artista parisino Côme Clérino llega a España por primera vez para mostrar sus impactantes pinturas repletas de materia, color y energía. Su exposición “Emulsify(ing)” se podrá ver del 14 de noviembre en el espacio CASTELLANA 22 de WeCollect.

Pinta con resinas, cemento, yeso, silicona, látex, parafina, acrílico, grafito, lápices de colores, pasteles, cerámicas y hasta pintura. Lo hace sobre lienzo y papel para galerías de arte, pero también diseña mobiliario, crea colecciones de ropa, experimenta con arquitecturas, interviene piscinas e incluso coquetea con el mundo culinario. Tras un vertiginoso año en el que ha realizado dos muestras individuales y participado en más de una decena de exposiciones colectivas, Côme Clérino (París, 1990) presenta ahora su trabajo por primera vez en solitario en España en el espacio CASTELLANA 22 de WeCollect.

Compuesta por una veintena de piezas de gran y pequeño formato, la exposición “Emulsify(ing)”, que se podrá visitar del 14 de noviembre de 2018 al 4 de enero de 2019, muestra los trabajos más recientes de Côme Clérino inspirados en su día a día, “materiales que me encuentro a diario por la calle o descubro en tiendas de suministros para la construcción, exposiciones de artistas que me interesan como Mohammed Bourouissa o Helen Frankenthaler, y lógicamente mi propio trabajo anterior con las diferentes técnicas y practicas artísticas con las que experimento en el estudio”, comenta el artista. “Algunas de mis piezas son voluminosas, pero no todas, depende del tema y del contexto. Me gusta hacer malabares con volúmenes y soportes. Luego pruebo diferentes técnicas, utilizando una lista enorme de medios y materiales que va haciéndose cada vez más larga con el tiempo. Mi trabajo consiste en pintar partiendo de lo real y desde ahí ofrecer una mirada diferente de lo que nos rodea a todos”.

Graduado en la Escuela Superior de Bellas Artes de París (ENSBA) con Mención de Honor del jurado y tras trabajar cinco años en el estudio de Wernher Bouwens y Ann Veronica Janssens, Côme Clérino pasa ahora su día a día investigando materiales y técnicas en su estudio, una antigua fábrica de tubos reconvertida en estudio de artistas, escenario de fotografía o cine y sala de exposiciones que comparte con otros artistas, diseñadores, fotógrafos, ceramistas o arquitectos con los que colabora habitualmente. “Esta mezcla crea un gran ambiente para mi trabajo e inspiración y me lleva a buscar y encontrar nuevos caminos. Cuando no estoy trabajando en mis propios proyectos, me gusta participar en colaboraciones con diferentes personas de otros sectores para alimentar mi curiosidad. Lo que más me anima de mi trabajo es la experimentación diaria y las sorpresas que van surgiendo, una oportunidad de reinterpretar constantemente mi trabajo, actualizarlo y en última instancia hacerlo evolucionar”.

“Emulsify(ing)” es la cuarta exposición de Côme Clérino en solitario tras “Voir au verso” (Les Gens Heureux, Copenhague, Dinamarca), “Or maybe even go back to painting?” (Classic Paris, Francia, 2016) y “[arch.] Second Œuvre” (Ensba, Paris, Francia). Además, a pesar de su corta edad ha participado en cerca de una treintena de exposiciones colectivas por toda Europa y ha sido seleccionado para más de 20 publicaciones culturales, como Artoday, Abstract Magazine, Le Point Contemporain, Le Chassis, Pudeur Magazine, Lubok, Covermag, Elle Danemark, Influencia o Ouest-France. “No siempre tuve claro que quería ser artista”, comenta Côme Clérino. “Mi familia me introdujo en el arte desde muy pequeño, mi primer recuerdo de todo esto es con nueve años en una exposición de Mark Rothko en el Museo de Arte Moderno de París. Pasaron los años y seguí diferentes caminos pero siempre con esta idea en mente. Finalmente decidí estudiar Bellas Artes y este periodo validó mis ideas y mi elección. No me gusta sentirme completamente libre cuando trabajo, para mí es muy diferente crear de la nada, yo necesito dibujar y partir de algo para comenzar a improvisar”.

Miki Leal “Dandy’s Match”

Miki Leal is one of the main representatives of contemporary Spanish painting. From the beginning of his career, right at the beginning of the century, his work is clearly situated in the coordinates that define the movement of renewal of figurative painting that took place in those years: the irony and the distance from the conventions and isms of painting, the frequency and revision of disused or depreciated genres, the affirmation of visual pleasure without alibis, and especially the presence of a fertile and heterogeneous iconography of multiple origin, which covers a wide range that goes from the history of painting itself, to the mass media, and in his case also travels in an outstanding way through his own personal mythologies. It is no coincidence that he titled the volume that compiles his first ten years of trajectory as Mikithology.

As such, the question of style as a strategy and the way in which painting re-elaborates images occupy a central place in his work. A style with an accentuated personality and well-defined features that go through the use of paper as a support for a very liquid painting with a combination of watercolour and acrylic; the use of colour and stain as key tools in the composition of the pictorial space, forcing the limits of figuration; the physical and material intervention on the support; or the de-hierarchisation operated by means of the importance given to the margins or edges, both physical and figurative of the work. In recent years, Miki Leal has opened his practice towards media such as graphics and, in an outstanding way, towards ceramics, where he finds both a new materiality for his painting and a fundamental means for the unfolding and reworking of forms through dialogue with space.

But if there is something essential in his work, it is the role played by the connotation spaces to which he refers and in which his production is integrated. Each of these spaces or referents raises different challenges or levels of play for pictorial practice, whether through textiles or clothing, design, mass media, books or films, vinyl and its covers, photographs, ceramic tiles or applied arts. A constellation of signs scattered through his painting and a consequent process of displacement of meanings and referents that move between high and low culture, art and media, culture and industry.

In this sense, one of the last referential fields in which Miki Leal's work has been developing is perfectly illustrative: tennis. Transformed, whether through painting or ceramics, into a playground for dialogue about the very act of painting, about genres and forms, about culture, its signs and symbols, and the way to represent them.

The tennis court itself, with the lines of demarcation and the uniform colour of the court, offers fertile territory for the dialogue between figuration and abstraction, and beyond that, to reflect on the limits of the pictorial space and on the modes of representation. In the same way that sportswear as a theme, with its decorative designs, its symmetries and asymmetries, opens up space for an inquiry into colour and line, texture and transparency. They resonate here again, as always in their approach to cultural signs, aspects around the stylization of the image, fashion and design, or decorative and industrial arts.

As a territory in which his painting has expanded in recent years, ceramics is also present in this thematic approach. But as was previously pointed out, going out of the box and materializing is only one of the objectives. The dialogue with genres, and specifically with still life, is also the vehicle, once again, to talk with the history of painting, with its forms and reasons. Ultimately, instability of the iconography and its meanings and proposal of conversation between the different elements represented in papers and ceramics.

If we were to look for an element that would appear as a constant, almost as a substratum, throughout his trajectory, and at the same time would give reference to the strategies put into play in his pictorial practice, we could appeal to an update of Dandism. Dandism as an attitude where harmony, surprise, productive anachronism, artifice, present-past dialogue, effect and subtlety come together, but also the elegance of precision. A way of looking and representing the work as the product of a fascinating observation.

Beatriz Dubois “Hablar”

La jovencísima artista madrileña Beatriz Dubois inaugura en septiembre su segunda exposición en WE COLLECT Madrid y posteriormente en LONDRES. En ellas desafía la paciencia del espectador a la hora de observar la pieza final frente al consumo inmediato y masivo de imágenes.

El espacio CASTELLANA 22 de WeCollect Club inaugura el 6 de septiembre “Hablar”, la segunda muestra individual de la artista Beatriz Dubois (Madrid, 1991), compuesta por una veintena de collages de gran y pequeño formato que desafían la paciencia del espectador a la hora de observar la pieza final, invitando a parar y reconocer frente al consumo inmediato y masivo de imágenes de la actualidad. La muestra tendrá su segunda mitad en Londres a partir del 12 de diciembre en la County Hall Gallery, lo que supone la primera individual en la capital británica de la jovencísima artista española.

Realizadas con diferentes técnicas de collage, las obras de Beatriz Dubois están compuestas por fragmentos de fotografías seleccionadas que muestran la relación entre el individuo y la naturaleza, una asociación muy recurrente en su obra. Esta combinación resulta muy familiar cada una por separado pero al realizar la trama trenzada característica de sus obras —una evolución formal de su anterior trabajo— obliga al espectador a una mayor contemplación. “Hasta ahora intercalaba imágenes, verticalmente y por capas, para proponer al espectador una búsqueda de identidades. En este nuevo trabajo me he centrado en dar un paso más en cuanto a la implicación del público y el uso de la composición, una manipulación que exige mayor movimiento corporal y una relación obra-espectador inevitable”, comenta la artista.

Perteneciente a una nueva generación de artistas con referencias principalmente visuales, Beatriz Dubois incorpora en su nuevo trabajo su interés por la palabra y los textos, “una necesidad de añadir escritos a mi proceso didáctico, reafirmando mi admiración por las palabras. Su ambigüedad me ha resultado enormemente atractiva y poderosa”. El resultado es una serie de obras realizadas con textos intervenidos, collages sin pegamento, papeles cosidos en los que la literatura se vuelve visual y la reflexión se convierte en la obra en sí misma. Además, y a diferencia de otras de sus piezas, suponen una comprensión casi inmediata. Palabra e imagen se complementan en un ejercicio de observación que apuesta por una intimidad pausada con el espectador y habla de cómo estos consumen las palabras en relación con las imágenes.

Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad CEU San Pablo y titulada en fotografía profesional por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen EFTI, Beatriz Dubois (Madrid, 1991) utiliza la fotografía como base de su trabajo y el papel como soporte de collages analógicos y composiciones. Su obra reflexiona sobre temas como la relación del individuo con la naturaleza, la búsqueda de una identidad propia, el vínculo del ser humano con el exterior y consigo mismo, la contemplación pausada del arte frente al consumo masivo de imágenes o el uso de dualidades y analogías como base conceptual de su trabajo. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas como la Colección Himalaya, Colección Campocerrado, Colección Alicia Aza o Colección Entrecanales, entre otras, y ha sido expuesta en más de una decena de exposiciones individuales y colectivas, como “Instantes decisivos de la fotografía. Colección Julian Castilla” (2018), en el Museo de la Pasión de Valladolid; “Dentro” (2017), en el espacio CASTELLANA 22 de Madrid; “Beatriz Dubois” (2017), en la Feria de arte y antigüedades FERIARTE; o “Lux Infucatus”, en la galería Kreisler de Madrid. Actualmente realiza su segunda exposición individual, “Hablar”, en el espacio CASTELLANA 22 de WeCollect Club y prepara su primera individual en Londres, que se podrá ver en la County Hall Gallery a partir de diciembre de 2018.